En estos días que no podemos salir a pasear y relacionarnos unos con otros en directo y abrazarnos, besarnos, compartiendo comida, bebida, opiniones e historias, seguramente estamos más dispuestos a escuchar y leer cuentos.

Una de las primeras creaciones intelectuales del hombre ha sido el mito, una forma de contar las cosas para entender el mundo. Una de las grandes obras de Occidente ha sido la mitología clásica que aspira a explicar la vida con historias y leyendas que a veces sorprenden por su simbolismo y “veracidad”.

Durante el Barroco la representación de los mitos clásicos fue una inagotable fuente de inspiración para los artistas que encontraron en ellos una excusa para representar el cuerpo humano gloriosamente desnudo.

, iré repasando mis libros de arte recreando algunas de las grandes obras de los Maestros para ilustrar algunos mitos y aprender artísticamente de sus maravillosas pinturas.

Proserpina o Perséfone era hija de Zeus, el dios de dioses y Deméter o Ceres, la diosa de la fecundidad de la tierra. Un día que Proserpina estaba cogiendo flores con sus amigas se alejó de ellas y de su madre en el momento en que Hades o Plutón, el dios del inframundo salía con su carro de un agujero en el suelo. Cuando vio a la joven Perséfone la quiso para él y cogiéndola por la cintura la subió al carro y se la llevo al reino de los muertos. Su madre Deméter la buscó inútilmente, su tristeza y amargura no tenía consuelo y más cuando se enteró que Zeus había dado su consentimiento. Entonces se refugió en la soledad y descuidó su tarea de proteger las cosechas, dejando secar las fuentes, olvidando también la necesidad de lluvia para que la tierra diese sus frutos. Se produjo una época de carestía y pobreza muy grande y los hombres se dirigieron a Zeus para pedirle que hiciese volver a Deméter. Zeus se lo pidió pero ella se negó si no volvía su hija. Entonces Zeus envió a su mensajero Hermes a tratar con Hades/Plutón que se mostró dispuesto a solucionar el problema, pero resultó que Perséfone/Proserpina ya había comido granada, símbolo del amor, y estaba efectivamente enamorada de Hades/Plutón. Pero Hermes era un gran negociador y consiguió convencer a Proserpina para que permaneciese tres meses al año en el inframundo con su marido y nueve meses en la tierra con su madre. Así Deméter/Ceres se alegra en primavera y hace florecer las flores para recibir a su hija, en verano ofrece los frutos y las cosechas a los hombres, y se entristece en otoño ante la pronta retirada de su hija que en invierno vuelve al inframundo y ella se queda quieta esperando la siguiente primavera.

En esta obra Rubens representa el momento en que Plutón sube violentamente a Proserpina en su carro mientras sus tres hermanas más famosas, Atenea/Minerva seguida de Venus/Afrodita y Artemis/Diana quieren impedirlo. Los amorcillos que sostienen las riendas de los caballos simbolizan la premonición de que ese rapto tendrá un final feliz.

Proserpina o Perséfone era hija de Zeus, el dios de dioses y Deméter/Ceres diosa de la fecundidad de la tierra. Un día que Proserpina estaba ccgiendo flores con sus amigas se alejó de ellas y de su madre en el momento en que Hades/Plutón, el dios del inframundo salía con su carro de un agujero en el suelo, la vio y la raptó.

Ejercicio de confinamiento nº 31. El rapto de Proserpina (Rubens)

Cuaderno de confinamiento

Le partage des bêtes 6

Participación con KaNiBaL'HoPoX en el proyecto "Le partage des bêtes" convocado por La Remise Pollyonnais (Francia). Septiembre 2018. Siete días, siete obras en tamaño 28x21 cm. sobre el tema: 

Le partage des bêtes

Plinio el Viejo en su Historia Natural, cuenta que el pintor Apeles, el más famoso de la Antigüedad , pintor oficial y amigo de Alejandro Magno, tenía una máxima que cumplía a rajatabla: Nulla dies sine linea (ningún día sin una línea). Desde hace años sigo yo también esta costumbre haciendo al menos un dibujo diario, bocetos o apuntes.

Garzas Hokusai

Diario de dibujante

Elogio de la juventud 1

Elogio de la juventud

La percepción de una pintura es el resultado de varios factores, entre ellos la tradición cultural y visual. Cuando los antiguos observaban el mundo tomaron buena nota de una diferencia clave entre el reino celestial y el terrestre. Mientras que la vida en la tierra estaba marcada por el cambio y la incesante mutación, los cielos parecían poseer un orden intemporal que sugería la eternidad misma. El cielo era un vasto y lejano espacio más allá del alcance humano, lugar donde colocaron la residencia de sus dioses.

Desde entonces la línea de horizonte ha representado el límite entre el reino terrenal y el celestial, entre lo que se ve y lo que no se ve, entre lo que es y lo que no es. Durante la historia del arte occidental la recuperación del sentido trascendente de los cielos ha marcado algunas épocas, como la pintura religiosa barroca, estando entre los orígenes del paisaje romántico como expresión del sentimiento de lo sublime, y visible también en la reinvención de la línea de horizonte como límite -ahora no sabría decir entre qué- de las últimas pinturas de Rothko.

La forma en que se ha dibujado la línea de horizonte responde a una manera de sentir el espacio físico y pictórico de cada época propia de unas condiciones culturales específicas. No siempre se la ha pensado como rigurosamente horizontal, fruto de la influencia de la perspectiva y la fotografía; también ha sido entendida como circular en diferentes momentos de la historia del arte, por ejemplo en la pintura renacentista flamenca. Unos siglos después las vanguardias históricas volvieron a repensar el horizonte como reacción al imperio de la perspectiva clásica. Así los cubistas lo aproximaron, delimitando el espacio hasta traerlo a primer término e identificarlo con la superficie pintada, los futuristas italianos situaron el punto de vista en el interior del objeto -no querían estar delante sino dentro-; también el suprematismo se posicionó, relegando al infinito el vértice de la pirámide visual propio de la perspectiva (en palabras de El Lissitsky, el suprematismo: “Ha desfondado la azul pantalla del cielo… ( para poder) … ser configurado sea hacia adelante, hacia fuera de la superficie, o bien en profundidad”). La posición “artística” ante el horizonte y su representación continúa siendo objeto de reflexión visual y gráfica entre algunos artistas e arquitectos actuales, como Jan Dibbets y Zaha Hadid.

Por otra parte entiendo que una obra gráfica o pictórica es la imagen rígida y silenciosa de un momento que se enmarca dentro de un proceso de reflexión, y que la obra final es pausa en el desarrollo y no meta endurecida. Como parte de este proceso deberían entenderse estas obras.

En Las puertas del cielo vuelvo a reflexionar sobre la majestad trascendente de los cielos especialmente en el atardecer, cuando además del límite espacial del horizonte se puede contemplar el límite temporal del día y la noche, representando crepúsculos vividos que corresponde a situaciones geográficas bien definidas, referidas en el título mediante las coordenadas.

Carmen Marcos

Puertas del cielo I (18º3'E-59º19'30"N Estocolmo) Variación 12

 responde a la parte visual de la investigación que estoy llevando a cabo sobre la línea de horizonte: su representación en la pintura occidental y su significado icónico como metáfora del límite. La investigación tiene dos vertientes por una parte el objeto de la metáfora y por otra la forma que adquiere la misma.

Las puertas del cielo

El aliento ingenuamente maduro de Carmen Marcos nutre una pintura personalísima con un tejido de temáticas que van desde el exotismo, pasando por la cotidianidad, las flores de vistosos colores, el viaje en clave de /road movie /con el latido de las palabras de Séneca1, la intimidad de la mujer y sus espacios …

La propuesta para este año es la del viaje, /leitmotiv /cercano y asequible que, como toda su obra, forma parte de la vida, enmarcada por una mirada atenta y precisa que dibuja la realidad coloreada y transfigurada, con formas a menudo insinuadas, a veces desdibujadas, aisladas en un trazo o en una tonalidad, impregnadas de ritmo acompasado y de sugerencias.(“…/Las cosas que nos dan verdadera fuerza (…) han de esperar años, antes de que el tiempo les de poco a poco un color resistente…”)/2. En verdad el arte requiere tiempo porque la mirada gana intensidad, percibe cada matiz, textura, forma, color, plasmados en el transcurso de los años vividos intensamente. Poder reencontrar los cuadros de Carmen Marcos, descubrirlos y saborearlos con esa intensidad hacen del gusto un placer y del arte un motivo compartido y a nuestro alcance.

/Teresa Granados, 2001/


lnquirenti mihi in me quaedam uitia apparebantretecta, in aperto posita, quae manu prenderem, quaedam obscuriora et in recessu, quaedam non lentissima dixerim, ut hostis uagos et ex occasionibus assiHentis, per quos neutrum licet, nec tanquam in bello paratum esse nec tamquam in pace securum. 1I1um tanmen habitum in me maxime deprendo (quare enim non euerum ut medico fatear?) nec bona fide liberatum me is, quae timebam et oc.l.,eram, nec rursus obnoxium¡ in statu ut non pessimo, ita maxime querulo et moroso positus sum: nec aegroto nec ualeo …(/Examinándome yo mismo, se hicieron patentes en mí ciertos defectos evidentes que podia tocar con la mano, y otros más secretos y ocultos, algunos no habituales, sino presentes a intervalos, que yo calificaría de más molestos que todos los otros, como los enemigos esporádicos que asaltan en cualquier ocasión y con los cuales no se puede ni estar alerta como en la guerra ni estar tranquilo como en la paz. Pero el hábito que más que ningún otro encuentro en mi (¿por qué no decir, como al médico, la verdad?) es ni estar liberado totalmente de todo eso que yo temía y odiaba, ni estar tampoco esclavizado; me encuentro en un estado, sí bien no pésimo, por lo menos enojoso y molesto en gran manera: ni estoy enfermo, ni tengo salud… (Séneca, De la tranquilidad del espíritu).


Séneca, De la tranquilidad del espíritu.

En ruta II

Estos cuadros quieren expresar ensimismamiento que produce el conducir y el estar en ruta.

Paisajes en extinción

La “Historia Natural” tradicionalmente estudiaba los tres reinos de la Naturaleza: el animal, el vegetal y el mineral, en oposición a la historia social y política. Mi Historia Natural la componen obras que tienen como modelo “el natural” : flores, frutas, bodegones y escenas vividas.

Girasoles

Historia Natural

Que cosa más extraña es la memoria. A los desmemoriados como yo nos asusta su condición caprichosa que hace desaparecer, engullidos por la oscuridad de la amnesia, detalles de nuestra vida que en un momento nos parecieron importantes. No recordar es como no ser.

De todas las imágenes que vemos, la memoria solamente nos devuelve, fragmentados, retazos de realidad que, como destellos de luz en la oscuridad, nos hacen capaces de contemplar, fuera del pulso del tiempo, pequeñas maravillas que centellean con especial luminosidad dentro de nuestro cerebro. Y más que su visión, generalmente lo que recordamos es la cosa en si, identificándola por su color y contorno, produciéndonos una suspensión temporal que nos hacer rozar la eternidad.

Un cuadro puede ser a veces una ventana abierta a escenas de la vida, pero siempre es una superficie donde el artista reescribe mediante signos su particular memoria. Y si algo ha de perdurar ¿por qué no desear que sea hermoso?

Carmen Marcos

Horizonte y perro

Estas obras expresan la diferencia entre mirar y evocar. En nuestra memoria el escenario donde se han visto las cosas se desdibuja o desaparece y se recuerda principalmente su contorno y color.

La belleza y la memoria

Algunos de ellos forman parte de una exposición itinerante dirigida por Carmen Marcos, en la que se incluían fotografías de mujeres en tratamiento de cáncer de mama y croquis de intervenciones quirúrgicas realizados por un cirujano, recogiendo así tres miradas sobre esta enfermedad, ahora tan frecuente: la mirada intimista de la dibujante que reflexiona sobre la belleza del cuerpo femenino, la externa o social, mostrada en las fotografías y la de la ciencia, patente en los croquis quirúrgicos. La "mirada ardiente" es la que mira con pasión, con vehemencia.

Carmen Marcos

El aseo de Ester (fragmento) (T. Chassériau) (1)

Estos dibujos reflexionan sobre la belleza del cuerpo femenino, especialmente el pecho, como elemento que le diferencia del cuerpo masculino.

Proyectos