Granados recién regados

Con Carmen Marcos nos conocemos desde principios de los años setenta cuando coincidimos con ella en la Escuela Superior de BBAA Sant Jordi de Barcelona. Con ella, Xaro Castillo y Adelaida Murillo realizamos la que creo debe ser una de las primeras exposiciones de cada uno. El proyecto era una especie de homenaje a la revolución de los claveles de Portugal del año 1974. La exposición en principio se iba a realizar en la sala de exposiciones de la Escuela de BBAA, pero a última hora desde la Dirección se rechazó la idea y se realizó en el Casal Catòlic de Sant Andreu gracias a que, cosas de la época de la dictadura franquista, el Casal Catòlic estaba ocupado en su mayoría por militantes de los clandestinos PCE y PSUC . Mas adelante Carmen, Adelaida y Xaro realizaron Del’encís i l’estranyesa , libro-objeto donde invitaron a participar a Andrés Vicente Estellés, Luis Eduardo Aute, Joan Brossa, Joan Casas, Enric Casasses, Victor Compta, Feliu Formosa, Javier Lentini, Jesús Lizano Francesc Parcerisas, Xavier Diaz Guinot, Albert Telese, Joan Masdemont, Baltasar Porcel, Toni Turull i Lisardo Zunzunegui. Su heterodoxia les llevo a solicitar el prólogo del libro- objeto, erótico por otra parte, a Pere Pascual, catedrático de Física Teórica de la Universidad de Barcelona. Estos tres datos, el social, el temático del libro-objeto y la heterodoxia -dado el tema- de a quien se le pide el prólogo, son fundamentales para entender esa combinación de compromiso con la realidad del momento, al tiempo que se evidencia la capacidad individual de juego y fascinación de lo heterodoxo, mostrado en el libro. Estos factores, la empatía social, la capacidad de riesgo y la heterodoxia han llevado a Carmen Marcos a desarrollar al tiempo que su trabajo personal como pintora, otras aventuras como la creación de la EUROART Salón Internacional de Artistas Contemporáneos Independientes en la Barcelona de los años 90, o a escribir su tesis doctoral “El horizonte como forma simbólica en las arte” , publicación de obligada lectura para toda aquella persona que se quiera adentrar en la problemática que supone para un artista el tratamiento del espacio en su obra, huyendo de la erudición vacua y yendo a aquello que realmente preocupa a quien se propone realizar una obra de arte. También desde hace cuatro años se encarga de organizar el proyecto CECI N’EST PAS en colaboración con el Museo de Etnografía de Jumilla. En este proyecto invita a diversos artistas españoles e internacionales a presentar una obra relacionada con una de las piezas en posesión del Museo incidiendo en la puesta al día de su contenido conceptual.

En DIARIO DE DIBUJANTE el proyecto que presenta en l’Espai Tepekale del TPK Art i Pensament Contemporani, Carmen Marcos sintetiza los tres vectores que han hecho avanzar y afinar su dar sentido a su trabajo y a su vida: una necesidad de compartir con los demás aquello que se posee de una manera singular. La heterodoxia necesaria como para teniendo la capacidad de una profundidad rigurosa, ir a la esencia de ese rigor para mostrarse cercana, con un lenguaje próximo, huyendo de todos aquellos “palabros” no- significantes tan corrientes en el espacio artístico y que únicamente sirven para que los que no tienen nada que decir parezca que dicen algo. El tercer vector es el amor por la pintura que se corresponde a su amor por la vida.

Carmen nos presenta 365 trabajos realizados en acuarela, uno por día, todo un año. Son una parte de las acuarelas –además al tiempo, ha seguido trabajando en cuadros al óleo de diferente formato- que realiza diariamente desde que se trasladó de Barcelona a su Jumilla natal y que envía diariamente a unos cuantos amigos y amigas entre lo que tenemos el honor de encontrarnos. Son trabajos de “línea suelta”, donde la línea y el color se buscan y se separan, se encuentran y se extrañan en total libertad, como en el juego de seducción que proponía el libro “De l’encís i l’estranyesa”, “Del encanto y la extrañeza”. En el fondo de la cuestión siempre late aquello que para mí singulariza el trabajo de Carmen y que lo hace especial: el amor por la pintura y el amor por aquello que pinta. Carmen Marcos no puede pintar algo que no ame, es su manera de hacerlo suyo y es su manera de compartirlo con nosotros, ya sea unas flores, un paisaje, unas frutas o unas personas. Siempre que íbamos a su casa en Barcelona o ahora cuando hemos estado en Jumilla, siempre me detengo ante un cuadro donde había reunido a sus seres más queridos, incluido por supuesto Gremlim, la perra, siempre me ha parecido un cuadro magnifico que transmite felicidad por todos sus poros, un cuadro que te invita a ser parte de él, realizado desde el amor a la pintura que posee Carmen y que nos ayuda a confirmarnos en aquella frase que dice el también pintor Middendorf: “si hubiera otra manera de poder expresar aquello que expreso con la pintura, lo haría”. Podría hablar de la gran cultura musical de Carmen, de lo gran lectora que es y de la gran cultura literaria que posee, o quizás de que sus trabajos me hacer viajar hasta la radical libertad de la cultura inglesa del siglo XX, desde los pintores figurativos, a los escritores que conformaban el grupo de los jóvenes airados, los cineastas del free cinema, lo salvaje de los Jóvenes Artistas Británicos, sin olvidar la música o el teatro, pero prefiero detenerme en esa singularidad de la obra de Carmen de la que ha hablado antes y

tiene que ver con la actitud que se le atribuía a Fra Angélico cuando se decía de él que “pintaba con tanta humildad que parece que se arrodillaba antes de pintar una lechuga”. En estos nuevos e inquietantes tiempos donde Sociedad del Simulacro se impone a la realidad, el ruido a la reflexión y el narcisismo a la empatía, los trabajos de Carmen Marcos y su actitud ante ellos me suponen un oasis de verdad envidiable y esperanzadora.

, cuenta que el pintor Apeles, el más famoso de la Antigüedad, pintor oficial y amigo de Alejandro Magno, tenía una máxima que cumplía a rajatabla: 

 (ningún día sin una línea). Desde hace años sigo yo también esta costumbre haciendo al menos un dibujo diario, acuarelas, bocetos o apuntes. Esta exposición expone 365 reproducciones de este "Diario de Dibujante", un año de mi vida.

Diari de dibuixant - TPK

El olivo

Museo Etnográfico y Ciencias de la Naturaleza Jerónimo Molina de Jumilla

es el título de una pintura de René Magritte del año 1929, en ella haciendo uso de la ironía y el humor dinamita los conceptos tradicionales de significante y significado, cuestionando por un lado la relación de la palabra con su imagen y por otro la del objeto y su representación.

Museo de Etnografía y Ciencias de la Naturaleza Jerónimo Molina de Jumilla

 desde el año 2021 se une a la tradición iniciada en 2014 por el “

” formado por Xaro Castillo y Agustín Fructuoso de poner en relación a diferentes artistas contemporáneos con una pieza del Museo de l’Hospitalet y nos propone por cuarta vez una pieza de su colección, en este caso un fósil.

 contamos con algunos artistas que ya participaron el año pasado y con otros nuevos, todos ellos han aceptado el reto propuesto por el Director del Museo, de hacer una obra que “dialogara” con esta pieza. Se trata de un fósil muy especial: una o dos conchas de un molusco, igual o parecido a una vieira aunque su nombre es el siguiente:

Pecten fraterculus. Descrito por Sowerby, 1841. Edad: Mioceno inferior. Piso: Burdigaliense (20 – 15 millones de años). Procedencia: Sierra de la Pedrera y de la Tella. Jumilla. Localizado y clasificado por Sebastián Martínez.

Como otros años los artistas exponen una obra que no pretende representar realísticamente una vieira sino evocarla de alguna forma o jugar con ella al modo de Magritte en su cuadro "Ceci n'est pas une pipe".

Este “diálogo” visual de los artistas con el fósil origina unas imágenes de lo mas dispares, aunque en todas ellas se intuye el denominador común del uso, forma y color de esta fantástica pieza.

Damos las gracias al Ayuntamiento de Jumilla, a la Concejalía de Cultura y al Director del Museo por darnos la oportunidad de utilizar la Sala de Usos Múltiples y esperamos que esta exposición contribuya a que el espectador disfrute de las sugerencias que cada artista expone más allá de la habilidad de reproducir un objeto tal como se ofrece a la vista.

es el título de una pintura de René Magritte del año 1929, en ella haciendo uso de la ironía y el humor dinamita los conceptos tradicionales de significante y significado, cuestionando por un lado la relación de la palabra con su imagen y por otro la del objeto y su representación. Desde 2021 el director del Museo Etnográfico y de Ciencias de la Naturaleza Jerónimo Molina propone una pieza de la colección del museo para que sea "interpretada" por los artistas invitados bajo la perspectiva sugerida por Magritte d "esto no es..." en este caso un fósil.

Ceci n'est pas une... fósil

Mis tesoros

 como comisaria de esta exposición nos propuso el tema, se dijo que sería algo desenfadado, desinhibido, loco, cada cual, a su aire, y mira por donde, tenemos una muestra muy unitaria, coherente, profunda, con obras que, aunque cambian de técnica o material, están totalmente dentro de la estética de cada autor/a. Hay aquí obras que nos transmiten una intensa alegría de vivir y otras que trasladan un mensaje de una profundidad y emoción que desarman.

Las telas nos vienen acompañando en nuestra naturaleza de seres racionales desde la profundidad de los tiempos, algunos dirían desde las cavernas, es posible que antes. Han asistido a nuestra evolución, han envuelto nuestros cuerpos en cada edad, en cada momento, anecdótico o trascendente. Vivimos envueltos en telas, y nuestros más hondos anhelos se generan bajo ellas, entre sábanas, en lo profundo de la noche. La caricia de un tejido nos es más común que la de nuestros congéneres o nuestras mascotas. Nuestra piel ha mutado, ha crecido, en acuerdo al roce de los tejidos, pero también nuestra forma de ver el mundo, llena de telones, cortinajes, juegos de cama, encajes para muebles, gualdrapas y tantos otros complementos externos al cuerpo.

Hay técnicas, estilos pictóricos o escultóricos enteros que viven de ellas, como la pintura de drapeados o la técnica de los paños mojados del inmortal Fidias.

Este conjunto de obras nos demuestra, antes que la moda misma, que el textil puede ser un medio de expresión de los sentimientos más profundos, tan válido como el pincel, la gubia, el objetivo fotográfico o el lápiz. Haciéndome partícipe de la recomendación del maestro 

, diré que las telas tienen además la ventaja de ser las portadoras privilegiadas del mundo del tacto. Esta es, pues, una exposición para tocar, con delicadeza, con sensibilidad, pero también para ser tocados, tocados por la vastedad inagotable del arte.

Me limitaré en este texto a dejar unas breves palabras sobre cada una de las obras que estarán expuestas en el 

, todo un caleidoscopio de vivencias acrisoladas mediante este 

antológico. Un sentido homenaje al recuerdo, al hilar de una vida.

 que se desenvuelve, se escapa de la caja como una bocanada de aire coloreado, una metáfora de la más humilde intimidad.

 nos presenta su Paso de baile, que recoge una tradición de artistas femeninas donde el cuerpo danza entre la fragilidad, la contención y la necesidad de expresar, siempre con un roce de desasosiego, en 

 está el recuerdo Louise Bourgeois o Theodora Tanning, por citar solo dos nombres.

, escultor multiforme y siempre inspirado, nos sorprende con 

 esta crítica al mundo de la moda como pura superficie y espacio de seducción que oculta identidades.

, artista que suele emplear encajes, blondas, finas muselinas como referentes del recuerdo y la nostalgia, nos trae aquí una obra que nos desarma; creo, sin ánimo de exagerar, que es una de las mejores propuestas artísticas que he visto en meses. Este 

Traje de novia, en memoria de los feminicidios de Ciudad Juárez 

es una pieza que aúna la delicadeza y el silencio con el grito más desgarrador en una profunda coherencia llena de misticismo, como solo las grandes obras de arte son capaces.

, siempre tan precisa en sus collages y propuestas pictóricas, consigue con 

Mujer con la camisa rota, La boda e Inercia

, (un cuadro que son tres cuadros), algo muy difícil, y es que recordemos a la par el desgarro de Manuel Millares y la abstracción matérica junto a la contención del mundo clásico grecorromano. Apolo y Dionisos en difícil equilibrio.

, nos retrotrae a tiempos pasados, tiempos en los que la inocencia agreste de la naturaleza todavía seguía con nosotros, de la misma forma que nos conecta con las más vivas corrientes de la ilustración actual. A veces, los cuentos son más sinceros que las historias realistas.

, por cierto, perfectamente adaptada al espacio compositivo por 

, nos habla de fragilidad y de almas oscurecidas, como en aquella canción de Rosa León, 

, un binomio que entronca aquí, en esta concreción estética, con el surrealismo de Hans Bellmer o de Alberto Giacometti.

, comisaria y artista multidisciplinar a tiempo completo, nos habla en 

, del crudo trabajo del tiempo, que todo lo oxida, y de la idea de protección, con esos duros instrumentos forrados de suaves telas. Un oxímoron emocionante: la crudeza de los trabajos rurales y la delicadeza del descanso y la paz.

Siempre es difícil hablar de la obra propia, pero diré tan solo que 

Todo el luto cifrado en la linotipia del corazón

 esconde otra paradoja: la ausencia deja una huella mayor que su propio silencio. Esta es una obra sobre espetones y orfandades.

, un precioso abrazo de verdes y morados que está en línea con sus últimos trabajos, donde las telas o los curos, más que forrar, protegen y cuidan las formas de la escultura. De la misma forma, reinterpreta en 

, piezas griegas forrándolas de telas de colores variados, recordándonos de paso que el mármol antiguo siempre pintado de tonos saturados.

 veteada de ironía, se inscribe en una nueva interpretación del collage clásico, tendencia que recoge variadas influencias postmodernas. 

, recuerda el compromiso social de Bárbara Kruger, pero nos ofrece toda la emoción intimista presente en las cajas de Joseph Cornell. Una llamada de atención al poder de los objetos como configuradores de nuestra esencia.

, invoca al tacto, pero también al propio trabajo de esos complementos y vestiduras que nos acompañan, es imposible no recordar los zapatos de campesino de Van Gogh y toda la teoría del arte que Martin Heidegger desarrolló a partir de ellos. Merecen mucho texto estos zapatos para tocar.

 en tonos degradados que son tres llamadas de atención a la libertad, a la pura belleza del color, muy en consonancia con su obra pictórica.

, nuestra exquisita ceramista, ha conseguido una vez más que materiales tan disímiles como el textil y la cerámica armonicen sin problema. 

 es una obra expansiva, llena de ritmo, de una belleza plástica avasalladora.

, en dos obras juguetonas herederas del Pop Art nos alegra la vista con el desenfado de 

, dignas del David Hockney más maduro. Magentas, azules, diseños de papel de pared sesentero: ironía y alegría de vivir.

 siempre tantea los límites en su obra pictórica, los tantea, los frecuenta, pero no los atraviesa porque, como dijera Eugenio Trías, el juego, la verdad de nuestras vidas, está en el límite. Saliendo del marco del cuadro, 

 nos acerca a ese límite tan sugerente como oscuro y lleno de misterio, una obra para transitar y buscar extraños puntos de fuga en el tiempo.

 encontramos un homenaje al paisaje de la Vega Media, una exaltación del color en época de la floración, pero también una metáfora del trabajo humano que a lo largo de cientos de años ha tejido bancales, parcelas, laberintos soñados.

 vuelve con una obra que ya causó nuestro interés en su momento, y hoy cobra, si cabe, como la pieza de 

, más capas de significado si cabe, con el recuerdo de las víctimas de tantas matanzas, en Ucrania, en Gaza o en las fronteras de Sudamérica. Esta última obra resume bien la tremenda cantidad de territorios semánticos que el mundo de las telas artísticas nos puede deparar.

En esta ocasión Carmen Marcos, artista y comisaria de esta exposición “Locos por las telas”, nos propone un nuevo reto: las piezas se realizarán con material textil. La trama y la urdimbre formarán parte de las obras creadas para esta muestra.

La búsqueda de nuevas técnicas y materiales nos lleva, en esta ocasión, al estudio y la investigación en las artes plásticas. El material textil, según la historia nos dice, ha sido utilizado en diferentes campos como la moda, la decoración, los tapices, etc, y su variedad y diseños han sido muy estudiados, con resultados de gran calidad artística. Tenemos ejemplos de la utilización de este material textil en pinturas famosas de grandes artistas, como es el caso de Manolo Valdés, Tapies y Goya, con sus diseños para Real Fábrica de Tapices.

Las obras expuestas tienen estilos muy diferentes. La textura de los tejidos, el color y el grosor han dado lugar a diversos resultados y soluciones creativas y originales. Cada artista ha imprimido su forma de trabajar y su estilo dentro de las posibilidades de los diferentes materiales, como son las telas en sus variadas formas, los tejidos reutilizados, las fibras naturales. El aprovechamiento y reciclaje de los textiles da calidad a las piezas de esta muestra.

La ejecución de dichas obras con retazos de tela abre la imaginación. El acabado es diferente en todas ellas y se disfruta de resultados matéricos, cuando en la mayoría de los casos el pintor acostumbra utilizar la pintura acrílica, el óleo, acuarela, y el lápiz.

Esta exposición muestra nuevamente las obras expuestas en Jumilla bajo el mismo nombre.

Locos por las telas - Cieza

Autorretrato imposible

Ermita de San José (Plaza de Arriba). Jumilla

Realizada con motivo del Día de la Mujer se presentan obras y poemas de mujeres miembros de la Asociación Cultural Hypnos de Jumilla.

Pintoras, escultoras y poetisas de Hypnos 2024

Museo Arqueológico Municipal Jerónimo Molina. Plaza de Arriba, s/n. 30520 Jumilla. Tel. 968 757 379.

Locos por las telas

Verano

 Rafael Morghens, dibujado por José Berazón. Cobre. Aguafuerte y buril. 1791. 60x40,5 cm. Calcografía Nacional. Madrid. Después de Rafael Mengs (1728-1779).

. W. Hogarth (1697-1764). Aguafuerte.1753. 36,6x49 cm (imagen); 41×54 cm (placa). Coloreado a mano.

. V. Green. Grabado a la manera negra e iluminado. 1780. 30,4x27,9 cm. Después deJ. Reynolds (1723-1792).

Arresto de tres barceloneses en la catedral del Barcelona el 3 de junio de 1809.

Lámina V. Buenaventura Planella lo dibujó en Barcelona 1815. Vicente Peleguer lo grabó en Madrid. Aguafuerte y buril. 26,1x35,1 cm. Biblioteca Nacional de España.

. G. Turchi lo diseñó. Prof. M. Steinla lo grabó. Impresor P. Bujani. Hacia 1881. Talla dulce. 27x20 cm. Después de Alberto Durero (1471-1528).

. Manuel Muñoz Barberán (1921-2007). Aguafuerte. 35,5x45,5 cm.

. Eugemus (Eugenio Lemús) lo dibujó y grabó. Buril y aguafuerte. 1884. 51x38,5 cm. Calcografía Nacional. Madrid. Después de Diego Velázquez (1599-1660).

Hallazgo arqueológico en Herculano. Siglo I d.C. Vinc Campana lo dibujó. Ferd Sirina lo grabó. Talla dulce: aguafuerte y buril. 1763. 11,5x22 cm. Anverso y reverso de la estampa.

 Giovanni Volpato. Dibujado por Buenaventura Salesa. 1792. Aguafuerte y buril; huella de la plancha 58,4x37,6 cm. Biblioteca Nacional. Madrid. Después de Anton Raphael Mengs (1728-1779).

 Lucas Vorsterman (1595-1675)). Aguafuerte y buril. 1623. Seis estampas unidas de 43x42 cm. formando un grabado total de 85x108 cm. Dibujo atribuido a Antoon Van Dyck (1599-1641) retocado por Rubens. Calcografía del Louvre. París. Después de Pedro Pablo Rubens (1577-1640).

 William Hogarth (1697-1764). Aguafuerte. Grabado por John Kesey Sherwin. 1775. 32,8x26,2 cm.

El viaje de Marie de Médicis al Pont-de-Cé

. Carol Simonau Major lo grabó en 1709. Dibujado por I.M. Nattiere. Talla dulce. 51x35,5 cm. Después de Pedro Pablo Rubens (1577-1640).

. N. Outkine, dibujado por H. Laurent. Aguafuerte. 1865. 42,5x28,5 cm. Calcografía del Louvre. Después de Leonello Spada (1576-1622).

Entrada de la Reina en Arras en el año 1667

. Robert Bonnart. Buril. 52x97 cm. Después de Adam Frans van der Meulen (1632-1690).

 De autor desconocido pegado a cartón, de imagen de 23x17 cm sobre una cartulina de 30,1x19 cm. Hacia 17??. Coloreado a mano, pie de foto y marco pegados. Talla dulce.

J.V. Alagarda Eisarch (1710-1780) lo grabó en Orihuela. 1752. Buril o talla dulce. 11,8x16,7 cm.

. W. Unger (1837-1932) e impreso por A. Pisani. 1885. Aguafuerte. Tinta marrón oscuro sobre satén blanco. 13x25,5 cm. Después de Lawrence Alma-Tadema (1836-1912) .

. Grabado por J. Harris (1811-1865) publicado en 1845. Grabado a la manera negra, 

 o grabado al humo. 39x63 cm. Después de Charles Cooper Henderson (1803-1877).

 N. Delarmesin. Aguafuerte iluminado. 1735. 44,5x59 cm. Después de A. Watteau (1684-1721).

La Artillería Volante marcha en la Columna formada por los ocho Escuadrones de Reales Guardias de Corps

. Grabador: Rafael Esteve Vilella (1772-1847). 1796. Aguafuerte y buril. 42x57,5 cm. Calcografía Nacional. Madrid.

. Blai Ametller a partir del dibujo de Pascual Pere Moles. Cobre. Aguafuerte. 1803. Biblioteca Nacional de España. Después de Carle Van Loo (1705-1765).

 Hermann Bichens. Aguafuerte y manera negra. Siglo XIX. 59x43,5 cm. Después de Bartolomé Esteban Murillo (1517-1682).

La reina yendo para Fontainebleau con sus guardias

. F. Bauduins. 1680. Buril. 52x78 cm. Después de Frans van der Meulen (1632-1690).

. Dibujado por B. Desnoyers en 1823 e impreso en 1827. Talla dulce. 57x42 cm. Después de Rafael Sanzio (1483-1520).

. Dibujado por Vicente López o T. Blasco Soler, grabado por Vicente Capilla (1767-1817). Buril. 1786.18,3x11,8 cm.

Las reinas de Persia a los pies de Alejandro

. Gérard Edelinck. Cobre, buril y aguafuerte. 1661. 71x91 cm. compuesto por dos planchas. Calcografía del Louvre. Después de Charles Le Brun (1619-1690).

. Dibujado por F. Boucher (1703-1770). Grabado por J.F. Beauvarlet (1731-1797).Hacia 1720/30. Aguafuerte y buril. Iluminado a mano. 43,5x32,9 cm.

. Graujean. Impresor A. Quantin. Talla dulce. 23x20 cm.Después de Anton van Dyck (1599-1641)

. Grabador desconocido. Talla dulce. 20,5x22,5 cm. Después de Anton van Dyck (1599-1641).

Madame Molé-Reymond. De la Comédie Française.

 Jules Massard. 1886. Aguafuerte y buril. 65x50 cm. Calcografía del Louvre. París. Después de Louise Élisabeth Vigée-Le Brun (1755-1842).

María de Médicis bajo la forma de Minerva diosa de las Artes

. I.B. Massé. 1708. Dibujado por I.M. Nattiere. Buril. 51x35,5 cm. Después de Pedro Pablo Rubens (1577-1640).

María de Médicis huye de la ciudad de Blois

. Cornelis Vermeulen. Dibujado por I.M. Nattiere. Hacia 1708. Talla dulce. 51x35,5 cm. Después de Pedro Pablo Rubens (1577-1640).

. Tomás Campuzano y Aguirre (1857-1934). Aguafuerte. 1889. 20x37,3 cm. Museo del Prado. Calcografía Nacional. Madrid.

” de Johann Jakob Scheuchzer (1672-1733). Aguafuerte iluminado, cobre. Siglo XVIII. 32x21 cm.

 Hallazgo arqueológico en Herculano. Siglo I d.C. Vanni lo dibujó. Cepparuli lo grabó. 1763. Talla dulce: aguafuerte y buril. 11,2x22 cm. Anverso y reverso de la estampa.

. Antonio Carnicero lo dibujó. Francisco Muntaner lo grabó en Madrid a 1800. Cobre y talla dulce. 48x34,5 cm. Calcografía Nacional. Madrid.

. S. Bradshaw. Buril, aguafuerte. 1859/61. 19x26,8 cm. Después deJ.M.W. Turner (1775-1851).

 H. Simon Thomassin. Grabado sobre papel grueso verjurado. Hacia 1710-1741. Talla dulce. 22,9x13,5 cm.

 Autor y fecha desconocidos. Buril. Plancha ovalada papel recortado. Imagen 21x17,5 cm.

Verdadero retrato del Beato Andrés Hibernón

. L. Planes menor lo dibujó en el año 1791. Manuel Peleguer lo grabó en Valencia. Buril o talla dulce. 15,3x21,5 cm.

El Triunfo de la Muerte (I parte). Hans Holbein el Joven (1497-1543)

 Tomo I y II. 1847. Libros en castellano de 25,5x18 cm. Ilustrados con estampas grabadas e iluminadas a mano con acuarela o anilina.

Esta segunda edición de la exposición de grabados antiguos de las colecciones privadas de jumillanos, tiene el mismo propósito que la realizada el año pasado: dar a conocer a nuestros conciudadanos obras de gran interés artístico e histórico realizadas con la técnica calcográfica actualmente en fase de desaparición y poner en valor la estampa antigua que en su momento constituyó la única forma de divulgación de obras maestras del arte universal.

El catálogo incluye un QR en cada obra original para poder verla en su ubicación actual.

Grabados antiguos en las colecciones de Jumilla II

Geranio (2)

Grupo KaNiBaLHoPox y TPK y Galerie 4 Barbier

Con estas obras reflexiono sobre la diferencia entre mirar y evocar. En nuestra memoria el escenario donde se han visto las cosas se desdibuja o desaparece y se recuerda casi exclusivamente el contorno y color de la cosa evocada.

La beauté et la mémoire

El caballo azul o las mujeres felices se suicidan por la tarde

Museo Arqueológico Jerónimo Molina. Plaza de Arriba. Jumilla

Pintoras, escultoras y poetisas de Hypnos 2023

Pastor y rebaño (Esto no es una alborga)

es el título de una pintura de René Magritte del año 1929 donde haciendo uso de la ironía y el humor dinamita los conceptos tradicionales de significante y significado, cuestionando por un lado la relación de la palabra con su imagen y por otro la del objeto y su representación.

Siguiendo la tradición iniciada en 2014 por el “

” formado Por Xaro Castillo y Agustín Fructuoso de poner en relación a diferentes artistas contemporáneos con una pieza del 

Museo Etnográfico Jerónimo Molina de Jumilla

 también se une a esta iniciativa y nos propone por segunda vez una pieza de su colección, en este caso las “alborgas”.

contamos con algunos artistas que ya participaron el año pasado con otros nuevos, todos ellos han aceptado el reto, un poco difícil, propuesto por el Director del Museo, de hacer una obra que “dialogara” con el zapato campesino por excelencia del sur de España, hecho en parte o en su totalidad de esparto, fibra natural de las atochas que crecen por doquier en los campos de secano, formando los grandes espartales o espartizales conocidos desde la antigüedad remota.

es el título de una pintura de René Magritte del año 1929 donde haciendo uso de la ironía y el humor dinamita los conceptos tradicionales de significante y significado, cuestionando por un lado la relación de la palabra con su imagen y por otro la del objeto y su representación. Este año la propuesta del director del museo es que los artistas reflexionaran o dialogaran con una "alborga" (sandalia de esparto típica de esta zona).

Ceci n'est pas une... alborga (Exposición colectiva)

Adoración de los Reyes Magos con antorchas.

 Lucas Vorsterman (1595-1675). Buril. 1620. Biblioteca Nacional de España. Madrid. Original: Pedro Pablo Rubens (1577-1640). Óleo sobre lienzo. 1617-1618. Grandes dimensiones. Iglesia de San Juan de Malinas. Bélgica. (Pág. 22).

 William Hogarth (1697-1764). Aguafuerte, cobre. 1736. (Pág. 43).

. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669). Aguafuerte y punta seca. 1639. (Pág. 34).

. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669). Aguafuerte. 1633. (Pág. 33).

Carceri d’invenzione (portada de la serie).

 G.B. Piranesi (1720-1778). Cobre, aguafuerte. H. 1761. Calcografía de Roma. (Pág. 42).

William Hogarth (1697-1764). Aguafuerte, cobre. 1736. (Pág. 43).

 Pieter de Jode. Buril. 1615. Compuesto por nueve planchas de las que exponemos tres. Original: Jean Cousin el Joven (1522-1594). Óleo sobre lienzo. 1585. Museo del Louvre. París. (Pág. 20).

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669). Aguafuerte,punta seca y flor de azufre. 1641. (Pág. 32).

 Dibujado por J. Camarón y grabado por Fernando Selma. 1808. Cobre, talla dulce. Calcografía Nacional. Madrid. Original: Rafael de Sanzio (1483-1520). Óleo sobre lienzo. 1515. Museo del Prado. Madrid. (Pág. 15).

Johann Friedrich Leybold Stuttgart (1755-1838). Buril. Calcografía del Louvre. Original: Pedro Pablo Rubens (1577-1640). Óleo sobre lienzo.1616. Alte Pinakothek. Munick. (Pág. 21).

El sueño del caballero o La vida es sueño.

 Dibujado por Francisco Torras y grabado por Ricardo Franch. Cobre, aguafuerte y buril. 1864. Calcografía Nacional. Madrid. Original: Antonio de Pereda (1611-1670). Óleo sobre lienzo. 1650. Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid. (Pág. 29).

El tarot de Mantegna o Cartas de Baldini.

 M. Seguí (1858-1923). Aguafuerte. Siglo XIX. Original: M. Fortuny (1838-1874). Dibujo a pluma. (Pág. 50).

 N.H.Tardieu (1674-1749). Aguafuerte. 1733. Original: A.Watteau (1684-1721). Óleo sobre lienzo. 1717. Museo del Louvre. Paris. (Pág. 38).

 Charles Joseph Flipart (1721-1797). Aguafuerte y buril. (Pág. 44).

Autor desconocido. Buril. Calcografía del Louvre. Original: Sandro Botticelli (1445-1510) La Primavera. Temple sobre tabla. 1480. Galeria Uffizi. Florencia. (Pág. 11).

 Domingo Martínez (grabado y dibujado) (1822-1898). Aguafuerte. Siglo XIX. Original: Rafael de Sanzio (1483-1520). Óleo sobre tabla de roble. 1507. Museo del Louvre. (Pág. 14).

 P. P. Moles. Aguafuerte y buril. 1774. Original: F. Boucher (1741-1797). Óleo sobre tela. 1739. Musée de Picardie. Amiens. (Pág. 40).

 Louis Journot (1867x1935). Aguafuerte y buril. Siglo XIX. Calcografía del Louvre. París. Original: J. Vermeer (1632-1675). Óleo sobre tela. 1669. Museo del Louvre. París. (Pág. 36).

. E.J. Glairon a partir del dibujo de Francisco Alcántara. Aguafuerte y buril. 1798. Calcografía Nacional. Madrid. Original: Diego de Velázquez (1599.1660). Óleo sobre lienzo. 1630. Museo del Prado. (Pág. 26).

 A. Bridoux (1813-1892). Aguafuerte y buril. 1838. Sociedad Francesa del Grabado. Original: Leonardo da Vinci (1452-1518). Óleo sobre tabla de álamo.1503. Museo del Louvre. París. (Pág. 13).

A.H. Payne. Grabado al acero iluminado. 1840 (?). Original: Gherard Terburg o Gerard ter Borch (1617-1681. Óleo sobre lienzo. 1654-55. Gemälde Galerie, Berlin. (Pág. 35).

. Alberto Durero (1471-1528). Xilografía. 1506. (Pág. 12).

 Jean Baptiste Racine. Cobre, aguafuerte. 1786. Galerie du Palais Royale. Paris. Original: Pieter Brueghel (1525-1569), técnica, año, ubicación y medidas desconocidas. (Pág. 19).

 Laugier o Langier. Buril. 1815. Original: J.L. David (1748-1825). Óleo sobre lienzo. 1814. Museo del Louvre. París. (Pág. 47).

Mapa de “Los Reynos de Valencia y Murcia”.

 Jacques Callot (1592-1635). Punta seca y aguafuerte. (Pág. 24).

 Benoît Louis Henriquez a partir del dibujo de Antonio Martínez. Talla dulce: Aguafuerte y buril sobre papel avitelado.1791-1800. Calcografía de la Academia de San Fernando. Madrid. Original: Orazio Gentileschi (1563-1639). Óleo sobre lienzo. 1633. Museo del Prado. Madrid. (Pág. 28).

 Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669). Aguafuerte. 1631. (Pág. 31).

. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669). Aguafuerte. 1643. (Pág. 31).

 J.A. Röfel. Talla dulce iluminada. Siglo XVIII. (Pág. 49).

 L. Boutelié. Técnica: Buril. Societé Franc. de Gravure. Original: Ambrogio de Predis (1455-1508). Témpera y óleo sobre tabla. 1490. 51x34 cm. Biblioteca Ambrosiana. (Pág. 10).

 Alberto Durero (1471-1528). Xilografía. 1497. (Pág. 12).

 Steph. Picart Romanus. Aguafuerte. Siglo XVIII. Calcografía del Louvre. Original: Domenico Zampieri (Dominiquino) (1581-1641). Óleo sobre lienzo. 1617-18. Museo del Louvre. (Pág. 25).

. Juan Bautista Lariz (siglo XVIII-XIX). Aguafuerte y buril. 1794. Calcografía Nacional. Madrid. (Pág. 46).

Suerte de varas. Tauromaquia (lámina III). 

Antonio Carnicero (1748-1814). Serie editada en 1790. Cobre, talla dulce iluminada. (Pág. 45).

 P. Biel. Aguafuerte. Impresión final y prueba de estado. 1792-98. Calcografía Nacional. Madrid. Original: Paolo Veronese (El Veronés) (1528-1588). Óleo sobre lienzo. 1580. Museo del Prado. Madrid. (Pág. 17).

. Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). Cobre, aguafuerte y buril. 1740. Biblioteca Nacional de España. (Pág. 41).

García Carmona, Miguel. Grabado al aguafuerte. Plancha y estampa. (Pág. 51).

 Xilografía a la plancha perdida. (Pág. 52).

Marcos, Carmen. Grabado a punta seca. Plancha y estampa. (Pág. 53).

Marcos, Carmen. Xilografía en linóleum. Plancha y estampa. (Pág. 53).

Histoire du Cardinal Ximénes de Cisneros.

 Esprit Fléchier (1632-1710). París, 1603. (Pág. 55).

. Alfred Tennyson (1809-1892). París, 1867. (Pág. 56).

 Miguel de Cervantes (1547-1616). Liege, 1776.(Pág. 57- 58, 59).

Exposiciones